Пушкинский музей этим летом выпустил две модные коллекции, созданные в сотрудничестве с молодыми дизайнерами и приуроченные ко временным выставкам музея. Украинский бренд «TTSWTRS» пошил к выставке про искусство тату толстовки, шелковые платки и боди телесного цвета с оптической иллюзией татуировки на обнаженном теле. В августе российский дизайнер Алена Кочеткова сделала к выставке графики «От Дюрера до Матисса» коллекцию, в которую вошли пижамные костюмы, кимоно, платья и рубахи с принтами, напоминающими карандашные эскизы по мотивам рисунков Дюрера, Рубенса, Мориса Дэни и Юлиуса Шнорра. Основную часть коллекции дизайнер продавала в своем шоу-руме, а более демократичные свитшоты, худи и джинсовки можно было купить в сувенирной лавке музея.
Многие музеи мира привлекают дизайнеров к совместным проектам — в их числе Рейксмузей, Музей ван Гога в Голландии, Лувр во Франции.
На счету Пушкинского музея сотрудничества с брендом Nina Donis к японской выставке «Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо», а также с дизайнером Гошей Рубчинским. В России помимо Пушкинского с дизайнерами сотрудничает музей современного искусства «Гараж», Всероссийский музей декоративного искусства. В последнее время в сувенирных лавках музеев появляются не только магниты и обложки для паспорта, но и модные аксессуары — шейные платки, сумки, кошельки, а в связи с карантином многие музеи выпустили фирменные маски.
«Для нас коллаборация с дизайнером — это прежде всего имиджевый шаг, — рассказали «Газете.Ru» в пресс-службе Пушкинского музея. — Это потенциальный инфоповод, который позволяет познакомить аудиторию музея с творчеством определенного дизайнера, и наоборот: привлечь к искусству клиентов модного бренда». Сотрудничество культурных институций с индустрией моды идет на пользу репутации и тех, и других: показывает готовность музеев поддерживать молодые бренды или же работать с известными дизайнерами. Для них это возможность прикоснуться к высокому или народному искусству, проверенному временем, либо расширить палитру выразительных средств и поэкспериментировать с помощью современного искусства, а также провести историко-культурное исследование и, если повезет, и самим войти в историю.
«В последние годы взаимовыгодные коллаборации стали классикой для разных сфер, в том числе для моды, — пояснил Александр Шумский, глава Российской недели моды. — Наш проект Global Talents Digital мы посвятили теме этичной моды, и речь здесь не только об эко-устойчивости, но и о традициях разных народов мира, ведь уважение к национальным культурам, их репрезентация в одежде в том числе является частью концепции этичной моды».
Студия дизайна бренда Radical Chic, участника Global Talents Digital, в процессе подготовки коллекций изучает текстильные архивы. Совместно с Всероссийским музеем декоративного искусства художники студии восстановили, переосмыслили и создали 40 платков по архивным эскизам. Все работы были показаны на выставке в Музее, а часть из них вошла в основную коллекцию марки. «Мы собираем, выкупаем, восстанавливаем и классифицируем архивы старого текстильного рисунка, — рассказали «Газете.Ru» в пресс-службе бренда. — Однажды к нам в руки попали работы Ростана Тавасиева, художника-орнаменталиста 80-х, который создавал удивительные по своей эмоциональной силе рисунки. Его работы конца прошлого века сравнимы с рисунками западных домов моды Hermès, Versace, Pucci, Cavalli, Dolce&Gabbana, но в отличие от известных кутюрье, художник находился вне профессиональной модной среды, что делает его работы по-настоящему уникальными».
Сотрудничество с музеем позволяет дизайнерам открыть для себя и своей аудитории не только неофициальное или современное искусство, но и традиционное, народное, чтобы в дальнейшем представить его на подиуме и познакомить с ним представителей других культур. Так мода берет на себя фактически музейные функции, сохраняя и передавая визуальные образы.
Боливийский бренд Juan de La Paz видит свою задачу в восстановлении и переоценке местной культуры. Творческий процесс работы над коллекцией зачастую начинается с исследования: в поисках вдохновения дизайнеры обращаются к музеям и каталогам произведений искусства. Источником вдохновения для июньской коллекции бренда стали картины в духе колониального барокко из коллекции Национального музея искусств Боливии. Во время работы над сентябрьской коллекцией дизайнеры работали вместе с музеем Artecampo, где хранится творчество 14 народностей, проживающих на Боливийских низменностях.
«Такие партнерства интересны всем: и дизайнерам, и культурным институциям, и их аудитории, ведь большие идеи выносятся за стены музея, им придается новый смысл, делая их вновь актуальными, — подчеркнули в пресс-службе Пушкинского музея. — Мы все время ищем новые точки соприкосновения моды и искусства. Есть много способов перенести идеи музейной коллекции или экспозиции в повседневную жизнь людей: это и одежда, и аксессуары, а также косметика и парфюмерия». Помимо очевидной популяризации бренда музея, который будут транслировать все, кто купил сумку, футболку или маску с фирменным логотипом в качестве сувенира, распространяться в данном случае будут и сами произведения искусства, имена художников, их идеи.
«Мода – это самая гибкая и изменчивая часть материальной культуры, — считает Полина Уханова, модный эксперт, искусствовед, основательница Школы Мода+Искусство. — Мода быстрее других сфер реагирует на изменения в общественной жизни и мировоззрении людей, а значит, именно через одежду можно наиболее эффективно транслировать свои идеи, а также привлекать внимание к музеям и искусству.
А для дизайнеров это возможность создать не просто одежду, украшение, аксессуары, а настоящие артефакты, за которыми будут охотиться модники и модницы, желая заполучить их в свою коллекцию».
История сотрудничества музеев, художников и дизайнеров насчитывает много легендарных примеров. В начале ХХ века авангардное искусство в России было тесно связано с модой, художники создавали принты для ткани, а скульпторы участвовали в создании модных коллекций. Известная французская кутюрье итальянского происхождения Эльза Скиапарелли в 1930-х внедрила в моду сюрреализм, а в 1965-м году Ив Сен-Лоран создал одну из самых знаменитых своих коллекций на основе абстрактного творчества голландского художника 1940-х Пита Мондриана. У Энди Уорхола было платье с принтом из банок супа Кэмбел, а в 90-е Джанни Версаче переосмыслил уже искусство самого Уорхола и создал знаменитое платье Мэрилин, вдохновлённое главным художником поп-арта.
В XXI веке коллабораций модной индустрии с миром искусства стало еще больше: Louis Vuitton и Николя Жескьер объединились с художником Джеффом Кунсом, который делает скульптуры в форме надувных шаров, Marc Jacobs — с японской художницей Яёи Кусама, а Calvin Klein – с Фондом Энди Уорхола,. К теме искусства в своих коллекциях неоднократно обращались Prada, Peter Jensen, Tom Ford, Jeremy Scott и даже Converse. Знаменитый бал Метрополитен-музея в Нью-Йорке MET Gala, который организует редактор американского Vogue Анна Винтур — пример такой успешной коллаборации, ведь бал всегда связан с темой выставки, которая представляет моду как высокое искусство.
«Современное искусство в моде — отдельная большая тема, выходящая за рамки музеев как зданий, — отмечает Шумский. — Многие известные дизайнеры и бренды владеют собственными коллекциями совриска, и это прослеживается в их коллекциях».
Знаковой можно назвать коллаборацию 2017 года модного дома Louis Vuitton и одного из самых дорогих современных художников Джеффа Кунса под названием «Мастера». Презентация коллекции проходила в Лувре, а репродукции известных полотен в исполнении Кунса появились на классических сумках Louis Vuitton. В коллекцию вошли не только сумки, но и шарфы, брелоки, кошельки и чехлы для ноутбуков. Чуть позже появилась и вторая часть коллекции, в которую вошли сумки с репродукциями знаменитых «Кувшинок» Моне, а также полотен Тёрнера, Мане, Гогена, Буше и Пуссена.